fSchnelle Aluminiumstäbe öffnen sich in den Raum, spielerisch verbunden ohne Anfang und ohne Ende. Sie gelten als Organismen mit widerspenstigen Strukturen. Es ist, als würden raffinierte Spinnen an diesen glänzenden Fäden arbeiten. Aber es sind Bilder des Künstlers Gego.
Ein Netz als Symbol menschlicher Beziehungen, eine Linie als Beziehung zwischen Punkten in der Luft: Gertrud Goldschmidt, die sich seit ihrer Kindheit Gego nennt, hat damit einen neuen, offenen, modularen Skulpturenbegriff entwickelt, der die Starre überwunden hat. und Intensität in den 1960er Jahren. Er eroberte den Raum und sah etwas Weiches im Raum. Stahl, für viele Bildhauer jener Zeit Ausdruck von Schwere und Stärke, war seine leichtfüßige, vom Raum befreite Malerei.
Der Mikado, der zur Architektur wurde, wo der kleine, zarte Künstler die Abstraktion der populärsten Geometrie Lateinamerikas auf eine neue Ebene hob und die Ideen der amerikanischen Minimal Art in ungewöhnliche, funkelnde Formen überführte. Seine Installationen und Skulpturen wirken schön, filigran und tänzerisch, natürlich und spirituell, wie schwebende Geister aus der Zukunft – und doch so hochtechnologisch, dass nur ein professioneller Architekt wie Gego so etwas produzieren könnte.
Zurückbleibende Nachfrage nach Gegos Kunst
Die LGDR-Galerie repräsentiert die Website von Gego. Derzeit stellt er Skulpturen und Gemälde in Paris aus, was auch mit einer umfassenden Ausstellung in der Jumex Foundation in Mexiko und einem angekündigten Wiederauftauchen im Guggenheim Museum in New York (ab März 2023) zusammenfällt. In Hamburg, wo Gego 1912 als Sohn der Bankiersfamilie Goldschmidt & Söhne geboren wurde, und in Stuttgart, wo er Architektur studierte, wurde er bereits in Museen ausgestellt. Aber international, in Institutionen und Märkten besteht Nachholbedarf.
Die Preise reichen von 20.000 Dollar für Gegos Arbeiten auf Papier bis zu 3,5 Millionen Dollar für große, schwer zu findende Skulpturen. Die meisten Werke kosten weniger als eine Million, was für den Künstler nicht viel Geld sei, sagt Galerist Dominique Lévy, der auf Augenhöhe mit Eva Hesse und Louise Bourgeois steht.
Blick in die Schau „Gego. Linien im Raum“, Galerie LGDR Paris
Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR
„Unser Ziel ist es, Gegos Bedeutung in der Kunstgeschichte zu platzieren“, sagte Lévy in einem Interview. “Der Markt wird folgen, wie er will.” Der gebürtige Schweizer ist einer der anerkanntesten Kunsthändler aller Zeiten, historische Ausstellungen gehören seit jeher zu seinem Programm.
Nun betreibt er seine Galerie nicht nur mit seinem langjährigen Partner Brett Gorvy, der wie er über einschlägige Kenntnisse des Auktionshauses verfügt, sondern auch mit Jeanne Greenberg Rohatyn, der Gründerin der Galerie Salon 94 und der Gesetz eines New Yorker Politikers. und Investmentbanker Felix Rohatyn. Die vierte in dieser Kategorie ist Amalia Dayan, die Enkelin des ehemaligen israelischen Verteidigungsministers Moshe Dayan und die Frau des New Yorker Investors, Sammlers und Kunsthändlers Adam Lindemann – sie leitete zuvor die Galerie Luxembourg & Dayan.
Mit Standorten in Paris, New York, London und Hongkong zielt LGDR darauf ab, eine flexible Galeriestruktur in einen Kunstmarkt einzuführen, der zunehmend von großen Galerien dominiert wird. „Wir glauben nicht an die exklusive Vertretung von Künstlern, aber wir glauben an eine kollaborative, projektbasierte Vertretung. Wir finanzieren die Produktionen, ohne die Künstler daran zu hindern, sie mit anderen Partnern zu teilen“, sagte Lévy, der Kunstfachleute von Italien über Korea bis nach Taiwan und Shanghai beschäftigt. Neben ausgewählten Ausstellungen stehen Beratung und Recherche auf seiner Agenda, sowie eine digitale Bibliothek, die Bilder und Dokumente über den Galeriebetrieb hinaus verfügbar machen will.
Gego floh nach Venezuela
Dominique Lévy traf Gego einige Jahre nach seinem Tod im Jahr 1994. 2015 wurde er der erste Galerist in Amerika (nach Betty Parsons, die Jackson Pollock und Willem de Kooning vertrat), der mit Gego zusammenarbeitete; Die venezolanische Regierung lieh ihm sogar die Installation von “Chorros” mit der Befugnis, diese weichen Metallkabel, die aus dem Dach herausragen, zu restaurieren. Möglicherweise revidiert Gego heute seine Aussage, persönliche Erinnerungen seien für seine Arbeit nicht wichtig. Denn ohne seine Lebensgeschichte ist er nicht vorstellbar.
Gertrud Goldschmidt war das sechste von sieben Kindern. 1939 verließ er als letztes Familienmitglied die Stadt Hamburg auf der Flucht vor den Nazis – er warf den Schlüssel der Villa an der Alster weg. Er ging nach England, wo seine Verwandten lebten, bekam aber nur ein Transitvisum. Er bestieg ein Frachtschiff nach Venezuela, ohne ein Wort Spanisch, aber mit einem Diplom der Technischen Universität Stuttgart in der Tasche: damals eine der weltweit führenden Universitäten für Architektur mit engen Verbindungen zum Ingenieurwesen.
Mit ihrem Mann, dem deutschen Geschäftsmann Ernst Gunz, gründete sie in Caracas ein Innenarchitekturunternehmen, in dem sie Leuchten und Möbel entwarf. Das Wachstum von Öl und Einwanderung brachte Geld in die Kassen des Landes, das in seine Infrastruktur investierte – und entwickelte schnell auch kinetische Kunst, die neben Konkreter Kunst und Op Art in Brasilien zum Stil des Landes wurde.
In Caracas entwarf die Architektin, heute Mutter von zwei Kindern, Bars, Restaurants und den ersten Nachtclub, bevor sie sich auf das Unterrichten konzentrierte. 1951 trennte sie sich von ihrem Mann und verliebte sich in den Künstler Gerd Leufert, der ihr Lebenspartner wurde. Er inspirierte Gego dazu, sich ganz der Kunst zu widmen, die er schon lange mit abstrakten Gemälden und Collagen praktizierte. Er reiste nach Europa und begann, kleine Skulpturen aus Pappe und Draht herzustellen.
Foto des Künstlers Gego
Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR
Obwohl seine Arbeiten unsichtbar sind, ist immer eine gewisse Beziehung zum Körper sichtbar. Und während in Brasilien mit Lygia Clark, Hélio Oiticica und Jésus Rafael Soto, in Deutschland mit der Zero Group und in den USA mit Agnes Martin und Frank Stella die geometrische Abstraktion zu neuen Formen aufbrach, besuchte Gego die Ausstellung des visionären Künstlers Buckminster Fuller in 1960 . im Garten des New Yorker Museum of Modern Art.
Er konnte seinen Tetraeder aus Aluminiumrohren und Kreisen aus dreieckigen Strukturen nicht loslassen. Raum, Leere, Licht, Linie, Reihen, unendliches Dreieck und Konvergenz inspirieren ihn zu „Reticulárea“: Maschen mit modularen Knoten überwinden den Raum und bilden Dreiecke, um die Form stabil zu halten.
Die soziale Dimension, der Bezug zum realen Leben, die Skulptur als Ort der Begegnung und Interaktion prägten fortan sein Schaffen – zu einer Zeit, als die Akzeptanz der „Phänomenologie der Wahrnehmung“ von Maurice Merleau-Ponty durch Künstler wie Robert Morris , Richard. Serra und Eva Hesse machten die Skulptur zu einem Zentrum der unmittelbaren Erfahrung von Körper und Raum. Diese Idee, dass Skulptur die Natur aktiviert, sich mit Energie ausdehnt und – im Gegensatz zu seinen männlichen Kollegen – Bewegung, Transparenz und Licht zeigt, macht seine Arbeit bis heute lebendig.
Auch die kleinen Metallskulpturen, die im LGDR in Paris zu sehen sind und teilweise noch etwas Symbolisches an sich haben, scheinen unheimlich zu atmen und ein Eigenleben zu führen. Als wären die geodätischen Kuppeln von Buckminster Fuller zu Ladekammern für Metallorganismen wie Poesie geworden.
